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ART COMES ALIVE
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當藝術品活起來
文｜余岱融、黃婉甄
圖｜劉倩帆
除了橫跨多重感官，挑戰不同媒材的藝術，當代更有不少挑戰既定形式的嘗試，像是用動態來展現藝術品活起來的表現形式，強化與人的連結與感受，表演藝術與虛擬實境（VR）正是強化觀眾感受的翹楚。這些作品多半拿掉觀看的限制，鼓勵觀眾自由選擇路線、角度、順序，甚至是選擇開始與結尾的自由。透過「主動加入」與「自主選擇」的動作，引導觀者帶著自己的思考與邏輯與作品產生互動，也因此而對藝術想傳達的意義有更深一層的體會。
1. 難以歸類的生態歌劇《太陽與海》
文 余岱融
陽光、沙灘，穿著夏裝與亮麗泳衣的人們，或坐或躺。抹防曬乳、做日光浴、玩撲克牌、看書、滑手機⋯⋯看起來，每個人都享受著悠閒的時光。但這不是哪個渡假勝地，而是長達4到8小時、在室內人造沙灘上，不斷循環進行的「歌劇」演出《太陽與海》（Sun & Sea）。
雖然有音樂有歌詞，也有鮮明的視覺畫面，但《太陽與海》顯然跟典型的歌劇大相逕庭。不但缺乏一個完整、有起承轉合的故事結構，我們也不知道這些曬一曬就突然唱起歌的人們是誰。他們來自哪裡？為什麼要來？為什麼沒人離開？這些問題在演出中都不會得到答案。歌詞則從一些日常瑣事（要塗防曬不然會曬傷；讚嘆天空晴朗無雲；抱怨有人帶狗到沙灘）慢慢變得難以理解，甚至有點超現實（去年聖誕節都沒有下雪；這個季節的海跟森林一樣綠；我媽忘記關掉3D印表機，然後我就被印出來了）。
很難說這些歌曲的旋律很「好聽」，但也沒有故意要「難聽」；可以說有些單調、無傷大雅，沒有傳統歌劇的濃烈情感。這樣的音樂風格一開始跟歌詞的瑣事相近，但隨著內容轉為暗示：在著重科技發展下，氣候變遷和環境污染的代價早已降臨，純粹而平淡的曲調，反而跟歌詞形成強烈對比。同時，沙灘上沒有人對這些歌曲做出任何反應。他們的表演像是在說，這沒什麼好大驚小怪的，一方面又更像是無能為力：既然什麼都做不了，還是渡假吧！
《太陽與海》讓觀眾從「上帝視角」俯視表演，拉開距離，好像在觀察昆蟲或是培養皿裡的生物。甚至可以說用「去人性化」的態度，來觀察人類身處閒散、安然，卻又危機重重的情境裡。從歌詞內容、音樂調性、視覺風格，到刻意設計過的觀看角度，讓人難以辨別這算是歌劇、劇場、行為藝術還是展覽。重要的是，每一個角度的觀看選擇，都刺激著不同的感覺和思考，演出效果不但超越個別元素，還形成一種奇特的張力。
什麼樣的張力呢？那就是：雖然觀眾獲得了一個看似置身事外的位置，但演出處理的議題其實與我們息息相關，也就是人類共同面臨的生存危機。藝術選擇用輕巧和詩意的方式，以音樂、文學和視覺交織在一起的審美體驗，邀請我們去感受和思考這個沉重且急迫的議題。
陽光、沙灘，穿著夏裝與亮麗泳衣的人們，或坐或躺。抹防曬乳、做日光浴、玩撲克牌、看書、滑手機⋯⋯看起來，每個人都享受著悠閒的時光。但這不是哪個渡假勝地，而是長達4到8小時、在室內人造沙灘上，不斷循環進行的「歌劇」演出《太陽與海》（Sun & Sea）。
雖然有音樂有歌詞，也有鮮明的視覺畫面，但《太陽與海》顯然跟典型的歌劇大相逕庭。不但缺乏一個完整、有起承轉合的故事結構，我們也不知道這些曬一曬就突然唱起歌的人們是誰。他們來自哪裡？為什麼要來？為什麼沒人離開？這些問題在演出中都不會得到答案。歌詞則從一些日常瑣事（要塗防曬不然會曬傷；讚嘆天空晴朗無雲；抱怨有人帶狗到沙灘）慢慢變得難以理解，甚至有點超現實（去年聖誕節都沒有下雪；這個季節的海跟森林一樣綠；我媽忘記關掉3D印表機，然後我就被印出來了）。
很難說這些歌曲的旋律很「好聽」，但也沒有故意要「難聽」；可以說有些單調、無傷大雅，沒有傳統歌劇的濃烈情感。這樣的音樂風格一開始跟歌詞的瑣事相近，但隨著內容轉為暗示：在著重科技發展下，氣候變遷和環境污染的代價早已降臨，純粹而平淡的曲調，反而跟歌詞形成強烈對比。同時，沙灘上沒有人對這些歌曲做出任何反應。他們的表演像是在說，這沒什麼好大驚小怪的，一方面又更像是無能為力：既然什麼都做不了，還是渡假吧！
《太陽與海》讓觀眾從「上帝視角」俯視表演，拉開距離，好像在觀察昆蟲或是培養皿裡的生物。甚至可以說用「去人性化」的態度，來觀察人類身處閒散、安然，卻又危機重重的情境裡。從歌詞內容、音樂調性、視覺風格，到刻意設計過的觀看角度，讓人難以辨別這算是歌劇、劇場、行為藝術還是展覽。重要的是，每一個角度的觀看選擇，都刺激著不同的感覺和思考，演出效果不但超越個別元素，還形成一種奇特的張力。
什麼樣的張力呢？那就是：雖然觀眾獲得了一個看似置身事外的位置，但演出處理的議題其實與我們息息相關，也就是人類共同面臨的生存危機。藝術選擇用輕巧和詩意的方式，以音樂、文學和視覺交織在一起的審美體驗，邀請我們去感受和思考這個沉重且急迫的議題。
2. 身體作為穿越時空的藝術品
文 余岱融
展品大都靜靜地等著人們到來。但如果它們既非畫作，也不是裝置物件，而是活生生的人呢？如果，它們不在美術館，而是進到更難定義的空間呢？
很多人可能都看過裝扮成雕像的街頭藝人，有些塗滿金漆，有些讓衣角固定在飄起的瞬間。這樣的「表演」算是活雕塑的一種，用身體當作材料取代木頭或金屬，不斷轉變姿態和位置。使用活雕塑概念的作品，多半具有玩耍、拿捏時間和空間上的選擇。
台灣藝術家林人中的作品《手扶梯上的藝術史》（Art History on Escalators）讓6名表演者在巴黎龐畢度中心外、連接一到六樓的手扶梯上，重新演繹包括龐畢度館藏在內、許多西方知名畫作中的人物姿態。有趣的是，手扶梯讓站上去的人「突然」變成靜止狀態，而這個透明的扶梯通道剛好又是主要進出口。藝術家利用這個具有過渡進、出場人潮功能，又會改變身體狀態的空間，讓藝術變成一個事件。表演不僅融入在一個平時不會有展覽的空間，也滲透進梯上的人們之間。一個下午，這些「藝術品」間歇地在一到六樓之間、每60分鐘一次，循環發生。觀眾看到什麼，以及和作品會有什麼樣的距離，取決於他們什麼時候抵達、逗留多久，以及剛好碰到哪個段落，造就了每個人獨一無二的觀賞經驗。
法國編舞家薩維耶・勒華（Xavier Le Roy）和香港表演者余美華的《Temporary Title, 2015 (Taipei 2023)》則是集結了15名表演者，進行了長達5小時的「展覽」，在一個寬敞、有明亮自然光照入的空間裡發生，像是某種表演卻沒有固定座位。表演者開場不久後就褪去衣物，四肢著地、用緩慢的速度裸身移動或翻滾。跟《手扶梯上的藝術史》一樣，表演者沒有角色，而是呈現各種身體狀態，只是他們不是模擬名畫人物，而是各自或成群，如動、植物般行動，創造出不斷轉變的「地景」。這5小時內，觀眾可以決定何時抵達和離開，也可以看要用多近、多遠的距離來觀賞。演出沒有燈光，隨天色變暗，最後一切都在黑暗中進行。這個作品用非日常、非人類的策略，拉出了綿延的時間感和模糊又有彈性的空間感，讓我們從人類的身體變化中，重新看待人對其他物種的想像與關係。
展品大都靜靜地等著人們到來。但如果它們既非畫作，也不是裝置物件，而是活生生的人呢？如果，它們不在美術館，而是進到更難定義的空間呢？
很多人可能都看過裝扮成雕像的街頭藝人，有些塗滿金漆，有些讓衣角固定在飄起的瞬間。這樣的「表演」算是活雕塑的一種，用身體當作材料取代木頭或金屬，不斷轉變姿態和位置。使用活雕塑概念的作品，多半具有玩耍、拿捏時間和空間上的選擇。
台灣藝術家林人中的作品《手扶梯上的藝術史》（Art History on Escalators）讓6名表演者在巴黎龐畢度中心外、連接一到六樓的手扶梯上，重新演繹包括龐畢度館藏在內、許多西方知名畫作中的人物姿態。有趣的是，手扶梯讓站上去的人「突然」變成靜止狀態，而這個透明的扶梯通道剛好又是主要進出口。藝術家利用這個具有過渡進、出場人潮功能，又會改變身體狀態的空間，讓藝術變成一個事件。表演不僅融入在一個平時不會有展覽的空間，也滲透進梯上的人們之間。一個下午，這些「藝術品」間歇地在一到六樓之間、每60分鐘一次，循環發生。觀眾看到什麼，以及和作品會有什麼樣的距離，取決於他們什麼時候抵達、逗留多久，以及剛好碰到哪個段落，造就了每個人獨一無二的觀賞經驗。
法國編舞家薩維耶・勒華（Xavier Le Roy）和香港表演者余美華的《Temporary Title, 2015 (Taipei 2023)》則是集結了15名表演者，進行了長達5小時的「展覽」，在一個寬敞、有明亮自然光照入的空間裡發生，像是某種表演卻沒有固定座位。表演者開場不久後就褪去衣物，四肢著地、用緩慢的速度裸身移動或翻滾。跟《手扶梯上的藝術史》一樣，表演者沒有角色，而是呈現各種身體狀態，只是他們不是模擬名畫人物，而是各自或成群，如動、植物般行動，創造出不斷轉變的「地景」。這5小時內，觀眾可以決定何時抵達和離開，也可以看要用多近、多遠的距離來觀賞。演出沒有燈光，隨天色變暗，最後一切都在黑暗中進行。這個作品用非日常、非人類的策略，拉出了綿延的時間感和模糊又有彈性的空間感，讓我們從人類的身體變化中，重新看待人對其他物種的想像與關係。
3. 回到畫家下筆的彼時彼刻
文 黃婉甄
為了紀念印象派誕生150週年，巴黎奧賽博物館（Musée d'Orsay）今年推出了「巴黎 1874 年：創造印象派」特展，除了展示超過130幅印象派大作，還推出一支45分鐘的多人沉浸式VR影片《與印象派共度今夜，巴黎1874年》（Tonight with the impressionists, Paris 1874），這項體驗意外成為展覽一大亮點，開展以來一票難求，成為巴黎藝術愛好者熱議的話題之一。
故事發生在1874年4月15日晚上，也是巴黎第一次舉行印象派畫展。為了追求獨立，幾位藝術家決定擺脫官方的束縛，舉辦自己的展覽。而在影片中，觀眾的起點便是在19世紀巴黎歌劇院廣場、畫展開幕前，跟隨一位有著藍色裙襬的年輕女子，穿越當時巴黎最繁華的街區，前往攝影師納達爾的工作室，也就是第一場印象派畫展的舉辦地。如今眾所周知的莫內、雷諾瓦、畢沙羅、塞尚等力挺出席的藝術家，也在現場滿腔熱血地向置身其中的我們，解說他們畫作背後的故事。
VR展區可容納約100位觀眾，以四人一組為單位，一起穿越回到過去，拜訪「未來」的印象派大師們，與他們一起探索巴黎，以及他們眼中的法國——街上談笑的行人、馬蹄噠噠的聲響、商店街的繁華景象——除了印象派大展，還能跟去馬內筆下的聖拉扎爾車站、拜訪在青蛙島上作畫的雷諾瓦，接著再與莫內一起看著冉冉升起的太陽，站在他背後，目睹他一筆筆完成知名畫作「印象・日出」。最後，再一起回到巴黎，在奧斯曼建築的屋頂探險，以印象派式的絢爛煙火結束這次旅程。
回到現實，心神還未離開19世紀的觀眾，隨即就能移步到展場接續觀展。方才在VR世界裡半透明的同伴突然都有了形體，緩步移動在展廳之間，接續欣賞真實的畫作。奧賽博物館復刻了150年前特展的樣式，也如VR體驗中每一個經過專家嚴謹考究的細節。一切都似曾相識，只是這一次畫作前不會再有藝術家本人親自導覽，而是一格格精心撰寫的文字說明。
停在莫內的作品前，看著那顆橘色的太陽，想著剛剛還跟他本人肩並肩看著同一片景色。對我來說，這些畫作已經不僅是畫框內的藝術，更是畫布前作者的心情投射、畫布外的城市意象，以及那段鮮活歷史的見證。
為了紀念印象派誕生150週年，巴黎奧賽博物館（Musée d'Orsay）今年推出了「巴黎 1874 年：創造印象派」特展，除了展示超過130幅印象派大作，還推出一支45分鐘的多人沉浸式VR影片《與印象派共度今夜，巴黎1874年》（Tonight with the impressionists, Paris 1874），這項體驗意外成為展覽一大亮點，開展以來一票難求，成為巴黎藝術愛好者熱議的話題之一。
故事發生在1874年4月15日晚上，也是巴黎第一次舉行印象派畫展。為了追求獨立，幾位藝術家決定擺脫官方的束縛，舉辦自己的展覽。而在影片中，觀眾的起點便是在19世紀巴黎歌劇院廣場、畫展開幕前，跟隨一位有著藍色裙襬的年輕女子，穿越當時巴黎最繁華的街區，前往攝影師納達爾的工作室，也就是第一場印象派畫展的舉辦地。如今眾所周知的莫內、雷諾瓦、畢沙羅、塞尚等力挺出席的藝術家，也在現場滿腔熱血地向置身其中的我們，解說他們畫作背後的故事。
VR展區可容納約100位觀眾，以四人一組為單位，一起穿越回到過去，拜訪「未來」的印象派大師們，與他們一起探索巴黎，以及他們眼中的法國——街上談笑的行人、馬蹄噠噠的聲響、商店街的繁華景象——除了印象派大展，還能跟去馬內筆下的聖拉扎爾車站、拜訪在青蛙島上作畫的雷諾瓦，接著再與莫內一起看著冉冉升起的太陽，站在他背後，目睹他一筆筆完成知名畫作「印象・日出」。最後，再一起回到巴黎，在奧斯曼建築的屋頂探險，以印象派式的絢爛煙火結束這次旅程。
回到現實，心神還未離開19世紀的觀眾，隨即就能移步到展場接續觀展。方才在VR世界裡半透明的同伴突然都有了形體，緩步移動在展廳之間，接續欣賞真實的畫作。奧賽博物館復刻了150年前特展的樣式，也如VR體驗中每一個經過專家嚴謹考究的細節。一切都似曾相識，只是這一次畫作前不會再有藝術家本人親自導覽，而是一格格精心撰寫的文字說明。
停在莫內的作品前，看著那顆橘色的太陽，想著剛剛還跟他本人肩並肩看著同一片景色。對我來說，這些畫作已經不僅是畫框內的藝術，更是畫布前作者的心情投射、畫布外的城市意象，以及那段鮮活歷史的見證。
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